RM of BTS (the space Between)
El espacio intermedio: lo moderno en el arte coreano
Un espectáculo innovador que es el primero de su tipo en Occidente, The Space Between: The Modern in Korean Art cubre los años 1897 a 1965, organizado libremente cronológica, estilística y conceptualmente. La segunda de las tres principales exhibiciones de arte coreano de la iniciativa de becas de arte coreano de Hyundai Motor, The Space Between , abarca el arco del arte con influencia europea a través de Japón en el Imperio coreano (1897–1910) y el período colonial (1910–45), explora las influencias estadounidenses. absorbido durante la Guerra de Corea (1950-1953), y ofrece un vistazo al comienzo de lo contemporáneo. Con aproximadamente 130 obras que reflejan la afluencia de nuevos medios introducidos en el extranjero, la exposición incluye óleos, tinta, fotografía y escultura.
🖼️ INTRODUCCIÓN 🎨
Bienvenidos a la exposición, The Space Between: The Modern in Korean Art .
El Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, en colaboración con el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Corea, se enorgullece de presentar la primera gran exposición de arte moderno coreano que se haya realizado en Occidente. La exposición cubre los años 1897 a 1965, que fue un período de trauma y agitación sin precedentes en Corea. A fines del siglo XIX, la dinastía Joseon, que había mantenido una estricta política de aislamiento de Occidente, finalmente se vio obligada a abrir sus puertos al mundo. Desde ese día en adelante, la Península de Corea ha ocupado una posición geopolítica muy tenue, caminando continuamente en la cuerda floja diplomática mientras equilibra los intereses de China, Japón, Rusia y los Estados Unidos. Uno de los momentos más oscuros se produjo en 1910, cuando Corea fue anexada por la fuerza a Japón.
Pero incluso en estos años de tragedia y caos, nacieron artistas. Antes de la independencia, los artistas coreanos se enteraron de las nuevas tendencias y estilos occidentales a través de Japón o, en casos excepcionales, directamente de Francia y los Estados Unidos. Al integrar estos nuevos estilos con sus propias técnicas y tradiciones artísticas, los artistas modernos coreanos pudieron producir muchas obras maestras únicas que mezclaban Oriente y Occidente, el pasado y el presente. En esta exposición, exploraremos el preciado legado de estos extraordinarios artistas, que surgieron en los tiempos más oscuros para brillar como faros de esperanza y belleza.
🖼️ 1. Retrato del emperador Gojong
Chae Yong-sin
(傳蔡龍臣, 1848-1941) 🎨
El hombre de este retrato es el emperador Gojong, anteriormente conocido como el rey Gojong, el último rey de la dinastía Joseon. En 1897, con la soberanía de su nación bajo la amenaza de potencias extranjeras, el Rey Gojong puso fin a los 500 años de historia de la dinastía Joseon y cambió el nombre de su país a "Imperio Coreano". En un esfuerzo por mantener la independencia, el emperador Gojong promovió activamente la historia y la cultura coreanas en el escenario internacional al tiempo que adoptaba nuevas culturas y tecnologías de todo el mundo. Pero en 1907, Japón obligó al emperador Gojong a abdicar y fue reemplazado por su hijo, quien se convirtió en el emperador Sunjong. En 1910, Japón completó su anexión de Corea y el nombre del país se cambió de nuevo a "Joseon".
Este retrato fue pintado por Chae Yongsin, quien originalmente se desempeñó como oficial militar antes de ser nombrado retratista real en 1901.
El emperador Gojong elogió mucho a Chae Yongsin por pintar retratos extremadamente vívidos que eran tan reales como fotografías, manteniendo el estilo tradicional. El emperador recompensó así a Chae Yongsin con un puesto en el gobierno y le otorgó el honorable seudónimo de “Seokgang”.
Pero en 1905, después de que Corea perdiera su soberanía diplomática como resultado del segundo Acuerdo Japón-Corea, Chae se retiró de su cargo y se mudó al país, donde pudo dedicar todo su tiempo y energía a la pintura.
Según la inscripción en la parte superior derecha de la pintura, esta es la copia de Chae del retrato oficial del emperador Gojong, que pintó en 1901, cuando el emperador tenía cuarenta y nueve años. Esta copia fue pintada en 1920, aproximadamente un año después de la muerte del emperador Gojong, quien había pasado sus últimos años bajo la estrecha vigilancia de los japoneses. Probablemente destinada a conmemorar al difunto emperador, esta copia coincide con la apariencia del original pero es de menor tamaño, para satisfacer las necesidades de quien encargó el trabajo.
🖼️ 2. Autorretrato, Rha Hye-seok 🎨
Nacida en 1896, Rha Hye-seok fue la primera mujer coreana en estudiar pintura al óleo de estilo occidental. En 1913, comenzó a estudiar pintura al óleo en la Escuela de Arte de Mujeres de Tokio. Después de regresar a Corea, realizó su primera exposición individual de pinturas al óleo en Seúl en 1921. En ese momento, la pintura al óleo no era muy conocida ni aceptada entre el público coreano, lo que hizo que sus logros pioneros fueran aún más notables.
Rha Hye-seok fue el epítome de la "Nueva Mujer" de la era moderna. Además de su innovador trabajo como pintora al óleo, también participó activamente en el movimiento de liberación de la mujer. Ayudó a publicar la revista New Woman y escribió numerosos artículos sobre la liberación de la mujer, además de ser una consumada ilustradora y novelista. En 1927, ella y su marido, abogado y diplomático, viajaron a Europa y Estados Unidos durante un año y nueve meses.
Durante su estadía en París, Rha Hye-seok se formó en el estudio de Roger Bissière, donde sus primeras obras impresionistas dieron paso a pinturas más audaces y oscuras que expresan su estado emocional y psicológico. Uno de esos trabajos es Self-Portrait, que utiliza una paleta oscura para transmitir un sentimiento de desolación y tristeza.
La oscuridad que aparecía en las pinturas de Rha Hye-seok probablemente estaba relacionada con sus problemas maritales. Después del viaje de regreso a Corea, el matrimonio terminó en divorcio. En un momento en que la infidelidad conyugal y el divorcio estaban muy estigmatizados, habló abiertamente sobre su situación. En un artículo titulado “Confesión sobre mi divorcio”, describió sus razones para divorciarse, criticó la desigualdad de género y declaró que toda mujer merece autonomía como persona independiente. Desafortunadamente, en ese momento, la sociedad coreana tenía poca tolerancia con una mujer que expresaba ideas tan progresistas o intentaba subvertir los valores tradicionales. Como resultado, Rha fue rechazada gradualmente por la sociedad. Pasó los últimos años de su vida en la pobreza y la alienación, antes de morir sola en 1948.
🖼️ 3. Una casa mirando al sur, Oh Jiho 🎨
Oh Jiho fue uno de los primeros artistas que pintó el paisaje de Corea en un estilo impresionista. Creía que la pintura era el arte de capturar la luz y, por lo tanto, el arte esencial de la vida misma. Le encantaba pintar paisajes luminosos al aire libre utilizando pinturas al óleo con abundante luz y color. A diferencia de otros artistas coreanos del período colonial, Oh eligió enfatizar la alegría y el optimismo de la vida durante esta era oscura.
Después de estudiar pintura occidental en la Escuela de Bellas Artes de Tokio desde 1926 hasta 1931, Oh regresó a Corea y se unió a un grupo de artistas que se concentraron en hacer pinturas al óleo coloridas y alegres de la vida y los paisajes coreanos. Sintió que el aire puro y limpio de Corea permitía que la luz realmente brillara en las superficies de los objetos, revelando su belleza interior.
En esta pintura, Una casa mirando al sur , Oh representó su propia casa en Gaeseong, donde vivió de 1935 a 1945. La niña en la puerta es su hija, Geumhi, que parece estar trayendo un tazón de comida o agua a su perro. Sapsari, que está durmiendo la siesta bajo la cálida luz del sol. Para capturar la claridad y la transparencia de la luz, Oh usó colores primarios luminosos, con diferentes tonos de amarillo y naranja que transmiten la cálida luz del sol sobre la casa. El estilo vibrante y distintivo de Oh es especialmente evidente en la sombra del gran árbol, que está pintado con innumerables pinceladas de azul y púrpura, en lugar de negro. Esta hermosa escena ofrece una bienvenida visión de la alegría de la vida cotidiana en Corea, una aparente imposibilidad en la era colonial.
🖼️ 4. Autorretrato con un largo abrigo azul, Lee Qoede 🎨
Después de estudiar en la Escuela de Arte Imperial de Tokio, Lee Qoede regresó a Corea en 1939 y organizó la Asociación de Nuevos Artistas, impulsándose a sí mismo a la vanguardia del mundo del arte coreano. Incluso a través de la agitación de la independencia de Corea, Lee persistió en su oficio artístico, produciendo múltiples obras maestras entre mediados y fines de la década de 1940. Pero después del estallido de la Guerra de Corea en 1950, Lee fue encarcelado por el ejército de los EE. UU. en el campo de prisioneros de guerra de Geoje. Después de que Corea del Norte y Corea del Sur acordaron su tregua en 1953, los dos países intercambiaron prisioneros de guerra y Lee decidió ir a Corea del Norte.
Después de la guerra, el régimen anticomunista de Corea del Sur prohibió cualquier presentación de obras de artistas que habían desertado a Corea del Norte, incluido Lee Qoede. No fue hasta 1988 que las obras de estos artistas incluidos en la lista negra finalmente pudieron mostrarse y estudiarse en Corea del Sur. Afortunadamente, los miembros de la familia de Lee que se habían quedado en el sur habían almacenado algunas de sus pinturas a lo largo de los años, lo que le permitió recibir su merecido reconocimiento como uno de los mejores pintores de su tiempo.
En Self-Portrait in Long Blue Coat, Lee se retrata a sí mismo como un artista profesional. Con los labios firmemente sellados con determinación y los ojos mirando directamente al espectador, parece bastante seguro de sí mismo. Lleva un sombrero de fieltro de estilo occidental, el sombrero favorito de los hombres coreanos de clase alta durante la era moderna, mientras sostiene una paleta de pinturas al óleo en su mano izquierda. Cabe destacar, sin embargo, que estos adornos occidentales se yuxtaponen con símbolos destacados del arte oriental y de Corea. Por ejemplo, el artista también sostiene varias versiones diferentes de un pincel llamado mopil , que se usa para la caligrafía y la pintura con tinta oriental, y lleva un durumagi azul., un abrigo tradicional coreano. Además, se encuentra en el contexto del campo rural de Corea, incluidas varias mujeres que visten atuendos tradicionales.
🖼️ 5. Ferry, Chang Uc-chin 🎨
Buscando la pureza y la sencillez absolutas en sus pinturas, Chang Uc-chin se hizo conocido por sus cándidas escenas de personas expresadas con formas y composiciones básicas, un estilo que adoptó a principios de la década de 1950. A menudo comparadas con los dibujos de los niños, las pinturas de Chang capturan la calidez y la sinceridad de la vida tradicional del pueblo, poblada por familias, árboles, casas, animales y paisajes sencillos. Pintó persistentemente sus motivos favoritos en un estilo semi-abstracto caracterizado por amplios bloques de color y una escala imprecisa de objetos, enfatizando la planitud del plano pictórico.
Durante la Guerra de Corea, Chang se refugió en su ciudad natal de Naepan, condado de Yeongi, que se convirtió así en el arquetipo de muchas escenas de aldeas en sus pinturas posteriores. En Ferry, por ejemplo, que pintó en 1951, Chang busca escapar de la brutalidad de la guerra a través de la expresión lírica de un mundo ideal. La pintura representa un transbordador fluvial que hizo sus rondas hacia el pueblo de Chang, transportando a personas que acababan de comprar o vender bienes en el mercado. Ubicados audazmente en el centro del avión, los pasajeros, modestos pero dignos, miran directamente al espectador, aparentemente sin inmutarse por nada dentro de su mirada. Cada uno ocupa el mismo espacio en la barca, confirmando su condición de protagonistas de su propia vida. La escena tranquila y sin pretensiones casi se siente surrealista, dado el contexto de la guerra.
Dado que a Chang Uc-chin le resultó imposible adquirir materiales de arte en su pueblo durante la guerra, hizo esta pintura en el reverso de un bloque de madera que había usado anteriormente mientras estudiaba arte en Japón. Así, en el reverso de este cuadro se encuentra una obra anterior titulada Niña, que pintó en 1939.
🖼️ 6. Panmunjeom Salón de las conversaciones del armisticio en 1953, Pen Varlen 🎨
Nacido en un asentamiento de coreanos étnicos en Primorsky Krai, Rusia, Pen Varlen estudió arte realista socialista en la Academia Rusa de las Artes en Leningrado, donde luego enseñó como profesor. En su larga y exitosa carrera artística, produjo muchas pinturas al óleo, grabados y dibujos magníficos, mientras afirmaba con orgullo su identidad como una minoría étnica. Mostrando su orgullo por su herencia coreana, mantuvo su nombre coreano, Byeon Wolryong, durante toda su vida.
En 1953, el Ministerio de Cultura soviético envió a Pen a Corea del Norte, donde pasó quince meses ayudando a reconstruir la Universidad de Bellas Artes de Pyeongyang, que había sido devastada por la guerra. Siguiendo el modelo de su alma mater, enseñó la teoría y las técnicas del realismo socialista. Durante este tiempo, formó estrechos vínculos con varios artistas norcoreanos, algunos de los cuales representó en sus lienzos.
También le encantaba pintar hermosos paisajes de montaña y escenas de la vida honesta entre la gente común.
Mientras estuvo en Corea del Norte, Pen pintó Panmunjeom Hall of the Armistice Talks en 1953 , que demuestra el estilo por excelencia de la escuela de pintura de Leningrado, que mezcla el impresionismo y el realismo académico. Como indica el título, la pintura muestra la sala de conferencias en Panmunjeom donde los representantes de Corea del Norte y del Sur celebraron conversaciones de armisticio después de la Guerra de Corea y también intercambiaron prisioneros de guerra. Aunque nunca había puesto un pie en su tierra natal hasta después de la Guerra de Corea, Pen se convirtió en testigo de este evento histórico. Las circunstancias trágicas de la escena se pueden sentir en el contraste entre el interior vacío y desolado y la brillante luz del sol exterior que brilla a través de las ventanas.
🖼️ 7. Composición, Yoo Youngkuk 🎨
Junto con Kim Whanki, Yoo Youngkuk fue uno de los pioneros del arte abstracto coreano a principios de la década de 1930. A lo largo de su vida, Yoo persiguió firmemente su propia visión sin ceder a las tendencias populares. Este espíritu de determinación fue evidente desde muy joven, cuando eligió asistir a la Universidad Bunka Gakuen en Tokio, una escuela conocida por sus inclinaciones izquierdistas, en lugar de la Escuela de Bellas Artes de Tokio, donde estudiaron muchos otros artistas coreanos de principios del siglo XX. Aunque Bunka Gakuen no ofreció una especialización en arte abstracto, Yoo estaba fascinado por el nuevo movimiento y decidió estudiarlo.
Después de la Guerra de Corea, cuando los artistas coreanos finalmente obtuvieron pleno acceso a la cultura estadounidense y europea, el arte abstracto rápidamente se convirtió en el estilo dominante del período de posguerra. Pero mientras Kim Whanki y otros finalmente pasaron a nuevos estilos y experimentos, Yoo se aferró a los elementos fundamentales del arte abstracto, pintando continuamente obras llamativas de triángulos, rectángulos y líneas con colores primarios radiantes.
La "composición" se produjo varios años después de la Guerra de Corea, que es cuando Yoo Youngkuk finalmente pudo dedicarse a la pintura a tiempo completo. Durante el difícil momento de la independencia y la guerra, Yoo tuvo que mantener a su familia pescando y vendiendo licor casero de su propia cervecería. Así, durante unos diez años, no produjo ninguna pintura. A mediados de la década de 1950, decidió mudarse con su familia a Seúl, donde se centró en su carrera como pintor y formó el influyente grupo de arte llamado "Asociación de Arte Moderno". La "composición" muestra los comienzos de su estilo característico, utilizando formas, líneas, curvas y colores básicos para sugerir un paisaje natural, como la puesta de sol detrás de la cresta de una montaña.
🖼️ 8. Montaña & Luna, Kim Whanki 🎨
En la década de 1930, Kim Whanki estudió en Japón, donde trabajó y se acercó a muchos artistas de vanguardia japoneses. Después de establecerse como uno de los primeros artistas abstractos de Corea, Kim comenzó a incorporar elementos de la cultura tradicional coreana en sus pinturas a fines de la década de 1940. Produjo muchas obras con expresiones modernizadas de motivos populares del período Joseon, como montañas, flores de ciruelo y porcelanas blancas, especialmente jarrones de luna.
En 1956, tres años después de la Guerra de Corea, Kim se mudó a París, donde permaneció durante tres años. En Francia, aunque estaba inmerso en las nuevas tendencias del Art Informel y el Nouveau Réalisme, continuó desarrollando su propio estilo único.
Fue en París donde Kim pintó Mountain and Moon , que captura un tema muy querido por él: el paisaje natural de Corea. La obra combina características tanto figurativas como abstractas, con una acumulación de formas geométricas y líneas que forman una imagen discernible de montañas y la luna. En la parte superior del lienzo, las gruesas pinceladas representan las crestas de las montañas, mientras que la mitad inferior de la pintura está dominada por una luna llena redonda. El color blanco de la luna evoca los frascos de luna de Joseon, pero el tono general de la pintura es azul, el color que se hizo cada vez más prominente en la paleta de Kim a medida que avanzaba su carrera.
🖼️ 9. Niños jugando, Park Sookeun 🎨
Park Sookeun, uno de los artistas modernos más queridos de Corea, fue totalmente autodidacta. Su educación formal terminó después de la escuela primaria, cuando se vio obligado a abandonar los estudios para ayudar a mantener a su familia empobrecida. Pero desde los doce años, cuando vio por primera vez una foto del cuadro El ángelus de Jean-François Millet , Park soñaba con convertirse en un gran artista. En particular, quería seguir el ejemplo de Millet retratando escenas de la vida cotidiana con la santidad del arte religioso. Manteniéndose fiel a su sueño de la infancia, Park pasó toda su carrera pintando la vida cotidiana, los trabajos y los pasatiempos de los coreanos comunes.
Las pinturas de Park de niños, mujeres y ancianos, representadas en una superficie similar al granito en capas, eran completamente diferentes a cualquier otra obra de arte en Corea en ese momento. Este estilo innovador, con una textura que recuerda a las pinturas de las tumbas en las paredes rocosas, se inspiró en las excavaciones arqueológicas de las tumbas de Goguryeo en Corea del Norte. Además, el granito es casi omnipresente en toda la península de Corea, lo que lo convierte en una opción estética natural para representar a Corea y su gente.
Como se ve aquí, uno de los temas recurrentes de Park eran los niños jugando, que él sentía simbolizaba calidez, comunidad y amistad. Un grupo de niños está sentado frente a una humilde casa con techo de paja, jugando. De pie a un lado, una niña mayor juega un papel más responsable, vigilando al grupo mientras cuida a un bebé en su espalda.
🖼️ 10. Sacerdotisa, Kwon Jinkyu🎨
Con su estilo único y distintas expresiones de la forma humana, Kwon Jinkyu se destacó de sus contemporáneos en la escultura moderna coreana. Después de estudiar escultura en Japón, Kwon regresó a Corea en 1959. En ese momento, la mayoría de los escultores coreanos se dedicaban a la escultura abstracta, fuertemente influenciados por los nuevos estilos y técnicas que se habían introducido recientemente desde Occidente. Resistiendo esta tendencia, Kwon continuó creando sus distintivas esculturas figurativas, buscando “redefinir el realismo en Corea” a su manera.
Kwon produjo muchos bustos de mujeres, incluida la "sacerdotisa" , que representa a una monje budista en meditación. La forma tosca de la parte superior del cuerpo y la cabeza rapada sirven para dirigir la atención del espectador hacia el rostro, donde la expresión facial tranquila del monje emana una sensación de serenidad y atención.
En la década de 1960, mientras la mayoría de los escultores coreanos modernos comenzaban a trabajar con metal, Kwon continuó utilizando materiales no convencionales de terracota y laca. Para crear "Sacerdotisa", utilizó una técnica de laca especial llamada geonchil , en la que se unieron telas de cáñamo empapadas en laca a un molde de yeso para crear una forma endurecida. Para una textura aún más rugosa, mezcló el adhesivo líquido con un polvo hecho de tejas trituradas. El aspecto inacabado y el color grisáceo le dan a "Sacerdotisa" una apariencia un tanto primaria, reforzando la espiritualidad que emana la pieza. Kwon dedicó incontables horas a desarrollar este laborioso proceso porque producía formas que eran relativamente livianas pero muy duraderas. Aun así, sus obras recibieron poca atención pública durante su vida. Trágicamente, en 1973 se suicidó en su estudio de Seúl, dejando una nota que decía: “La vida es vacío y aniquilamiento”.
— Todas las obras de las que se habla fueron seleccionadas por RM.
El texto fue escrito por Ellen Joo, Youngin Arial Kim, Virginia Moon, Julia H. Han, Park Hyesung y Kim Inhye.
En SoundCloud está la playlist con los audios en coreano.
Excelente exposición y explicación gracias por compartir y deleitar la pupila
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